“我没有经历过系统性的绘画训练。在大学攻读艺术史时开始接触油画，在研究生阶段开始专注绘画。绘画对我来说是一件自然而然的事情。”

　　徐苏宜，画家，现生活和工作于美国纽约布鲁克林。巴纳德学院(纽约)艺术史和视觉艺术学士，纽约视觉艺术学院艺术硕士。作品曾分别在纽约、巴黎、伦敦，上海展出，其中包括参与Fortnight Institute画廊(纽约，2023)、Hussenot画廊(巴黎，2022)水晶吊灯、New Collectors画廊(纽约，2021)、Boomer画廊(伦敦，2021)和A.I.R.画廊(纽约，2021)的群展。个展“物化成空”于2022年在否画廊展出。她的作品也被龙美术馆，宝龙美术馆和潇当代美术馆收藏。

　　徐苏宜在巴纳德学院攻读艺术史时，有一堂课的尾声，要从大都会博物馆的藏品中选择学期论文的主题。“当时我们就都在大都会博物馆漫步，直到发现一件能引起我们注意的艺术品。”教授要求在写文字之前，先要对选取的艺术品做一个简单的纸上临摹，并且强调论文的主题必须是自己能够亲眼所观的艺术品，而不是网络或书本上的图片照片。“先临摹再写论文的要求也是艺术史课上前所未有的。”就是在那个时候，徐苏宜开启了自己的绘画之路。

　　那次课程对徐苏宜的绘画影响很深，“现在，我已将这种观察法内化到我自己的创作中，我偶尔还会在博物馆里，或其他地方做这样的尝试，在这个过程中会有一些感觉找到我，感动我。”

　　“我是一个描绘空间和静默的画家。我在创作中并不会有意识地思索主题；相反，这些主题会以图像的形式在我的潜意识中出现。”这种感性的方式在徐苏宜的第一批作品中就有所呈现，作品里有很多都是手部特写，直接表现了身体在日常生活的潜移默化中形成的姿态和习性。“我被它们的温柔和亲密感所吸引，而同时手也有它戏剧性的一面。”

　　在创作品《镜中窥暗》（2021）中，徐苏宜就强化了这种戏剧性——描绘了上下班拥挤的地铁里，一只只需要握紧冰冷的金属扶手的手，又要小心避免彼此碰触的场景。“在这之后我的和空间相关的作品，也都是一场场‘客观表达’和‘个人情感’的角逐。”

　　《物化成空》是徐苏宜于2020年末在纽约公寓创作的。这幅画是在极光般的蓝紫色光影背景中，有一双透明的、合十的手，浮出水面。手有着玻璃般的冰冷质感，凭空浮于水面，随时都可能下坠。“那段时间因为疫情，我几乎不出门，每天都在家里画画。此前我画过许多富有女性气质、柔软苍白的手。这一次我几乎是刻意了刻画肌肤的愉悦感，而是试图去客观冷静地描绘透明的、无性别，无种族指代的手。”徐苏宜说，自己当时沉迷于以画造梦，所以越是架空的视觉，就越想用精准逼真的笔法来描绘。“因此我花了极长的时间画水面与光的波纹，有一刻我甚至觉得自己都要沉溺在我画的水中了。”

　　2022年9月24日至12月18日，徐苏宜在纽约布鲁克林举办了首次个展。展品包括了近两年创作的13件作品，包括《物化成空》、《镜中窥暗》、表现卢浮宫达鲁阶梯的《跪地青年的卸羽投降》和在布鲁克林公寓一角的《哈默斯霍伊研究》等。

　　“我最喜欢的作品总是最近刚刚画完的那幅。也许因为它最贴近此刻的心境，也涵盖了所有之前作画的经验。”最近，徐苏宜一直在重复画比利时安特卫普皇家美术馆的大堂。“选这个空间是因为一幅我很喜欢的画——法国中世纪画家让·福凯（Jean Fouquet）的默伦·迪普蒂奇（Melun Diptych）挂在那儿。”皇家美术馆的大堂顶上挂着一列明亮的水晶吊灯，对应着一个接一个的拱形穹顶，徐苏宜大体上遵循了原始的建筑模型，在一米多长一米八宽的画布上勾画出了这个空间。而映照着灯光的穹顶，徐苏宜则用了淡红、浅黄和灰蓝来表达从阴影到光明的过渡，同时作了大量的留白，以亚麻布本身的颜色作为画面的最亮部分，而不是简单地去把两处涂白。这种方式让画面产生了柔和与褪色般的质感。地板则浸泡在洋红色木质地板的阴影中，上面映射着柱子的光影。

　　“这幅画是我和这个空间的第一次会面。”在后来的画作中，同样的建筑形式开始反复出现。紧接着的下一幅画中，徐苏宜把木质地板变成了镜子，如平静水面般地完整反射出了空间的倒影。再接下来的两幅画只保留了建筑的大致轮廓，并且开始发散出一些绘画过程中即兴创造出来的几何图像。徐苏宜开始尝试用冰蓝、淡粉，哑绿等这些并不会在现实中存在的颜色来描绘空间和建筑。“在这一系列的创作过程中，我感觉自己已经进入了一个全新的空间，完全忘记自己本来是在画博物馆的大堂了。”

　　“对我来说，视觉语言总是比文字语言先进入我的脑海。而文字也常常是在我创作时突然在我头脑里闪现。”就像在试图描绘大都会博物馆宏大的长阶梯时，徐苏宜正好读到了普鲁斯特的《追忆似水年华》中斯万先生缓缓地爬上剧院“Stairscase of the Magnificent (华丽之阶)”，给了她很多启发。

　　这种视觉与文字的相互作用，也让徐苏宜的创作风格逐渐发生了一些变化，“以前我的作品，画中心总是有人物，空间是为了衬托戏剧冲突，给人物搭建的舞台。今年开始创作的新作品，人像消失了，我开始关注空间本身，在时间与空间的交响之中调动观者的身体经验。这种变化导致我的画中心总是留出一片空洞。”